Van polaroids tot AI: een reis door de fotografie

door: Alex Blanco

Mijn liefde voor fotografie begon in mijn jeugd, aangewakkerd door de opwinding van een vers ontwikkelde Polaroid in mijn handen te houden. Het was echte magie, een tastbaar moment dat direct beschikbaar was. Destijds had mijn familie ook een compactcamera, een praktischer optie, aangezien Polaroid cartridges duur waren. Foto's maken op 36-frame rolletjes was op zichzelf al een plezier, gevolgd door de spannende wachttijd tot de prints arriveerden. De verrassing van die glanzende 10x15 of 9x13 afbeeldingen maakte de ervaring nog waardevoller.

Rond het begin van de jaren 2000 had ik mijn eerste digitale camera. Destijds was iedereen geobsedeerd door megapixels, en de mijne had een indrukwekkend aantal (op z'n minst volgens die maatstaven). Eindelijk kon ik scherpe, gedetailleerde beelden vastleggen, zoals de dauwdruppels die aan een spinnenweb in onze tuin hingen.

Ik groeide op in de jaren 1990 en heb de ingrijpende ontwikkeling van de fotografie van dichtbij meegemaakt. Van analoog naar digitaal en nu naar het nog grotendeels onverkende terrein van kunstmatige intelligentie: de sector heeft voortdurend grenzen verlegd. Tegelijkertijd zijn drukwerk en het maken van boeken steeds verfijnder geworden, met nieuwe mogelijkheden om beeldende kunst te presenteren. Maar die vooruitgang roept ook vragen op over de essentie en authenticiteit van fotografie.

 Robby Müller, jaren 1970-1990. Polaroids uit de tentoonstelling Als zonlicht dat door de wolken breekt, Arles, Frankrijk

Vandaag staat AI zowel als een prestatie als een uitdaging in het fotografische landschap. Het biedt krachtige tools voor het verbeteren van afbeeldingen, van het perfectioneren van de witbalans en kleur tot het naadloos verwijderen van afleidingen of het toevoegen van volledig nieuwe elementen. Toch, terwijl we deze mogelijkheden omarmen, is er een risico van overdaad. De verleiding om een afbeelding voortdurend aan te passen en te manipuleren kan het van zijn unieke karakter onttrekken, waardoor er iets achterblijft dat voelt als een hol AI-imitaat.

 Dit dilemma weerspiegelt de zorgen die Walter Benjamin in zijn baanbrekende essay uit 1935 uitte, The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction. Benjamin argumenteerde dat mechanische reproductie de “aura” van een kunstwerk vermindert, de ondefinieerbare essentie die verbonden is aan diens originaliteit en authenticiteit. Door diens rituele en culturele betekenis weg te nemen, reduceert reproductie kunst tot een handelswaar. Zijn observaties lijken opvallend voorspellend in het huidige digitale tijdperk, waarin technologie niet alleen ongekende creatieve mogelijkheden biedt, maar ook alarmerende niveaus van manipulatie. Van deepfakes tot politiek beladen desinformatie, de gevolgen reiken verder dan esthetiek.

 Van brief aan St-Loup, 1990, Daido Moriyama / Shinjuku #11, 2000, Daido Moriyama

John Berger, in zijn baanbrekende televisieserie uit 1972 Ways of Seeing, ontvouwde hij verder op Benjamin's ideeën. Hij observeerde hoe moderne reproductie kunst vluchtig en alomtegenwoordig had gemaakt, afbeeldingen werden “aloverheersend, onwezenlijk, beschikbaar, waardeloos, gratis.” Wat ooit uniek en vereerd was, riskeert nu teruggebracht te worden tot wegwerpcontent.

Terwijl we deze voortdurend veranderende omgeving verkennen, ligt de uitdaging in het vinden van een evenwicht, waarbij we innovatie omarmen en tegelijkertijd de essentie van fotografie beschermen. Of het nu gaat om een Polaroid of pixels, het doel blijft hetzelfde: beelden creëren die resoneren, verbinden en standhouden.

Terug naar film: de kunst van het vertragen

In dit nieuwe tijdperk van fotografie is het niet verrassend dat veel kunstenaars terugkeren naar analoge camera's. Of het nu gaat om een eenvoudige compactcamera, een bijzondere halfframe-Ricoh zoals die van Daido Moriyama, of een grootformaat-Hasselblad die doet denken aan de weidse Amerikaanse landschappen van Ansel Adams uit de jaren 1930: de tastbare charme van film blijft aanspreken.

Natuurlijk, fotograferen met film brengt uitdagingen met zich mee. Met een standaard rol, die slechts 36 frames biedt, of soms nog minder (bijvoorbeeld 12) voor medium-format camera's, voelt elke foto kostbaar. De kosten kunnen snel oplopen: van het kopen van de film tot het ontwikkelen ervan en het printen op fine-art archiefpapier, het proces kan duur zijn. Maar deze beperkingen brengen iets onmisbaars met zich mee.

Deze terugkeer naar doordachte, handgemaakte fotografie vormt een tegenwicht voor het risico van het creëren van het soort lege reproducties waar Walter Benjamin bijna een eeuw geleden voor waarschuwde. Voor veel fotografen is het niet alleen nostalgie die deze verschuiving aandrijft, maar een verlangen om opnieuw in contact te komen met de kunstzinnigheid en discipline die werken met film vereisen, kwaliteiten die een foto verheffen van een simpel beeld tot een tijdloos kunstwerk.