Jasper Krabbé | Interview

Na het afstuderen cum laude aan de Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam, met een diploma in schilderkunst en grafiek, vervolgde de Nederlandse beeldend kunstenaar Jasper Krabbé (geboren in 1970, Amsterdam) zijn studies aan The Cooper Union in New York. Zijn schilderijen vangen op een levendige manier herinneringen aan plaatsen, gebeurtenissen en mensen, en putten inspiratie uit zijn reizen naar Cuba, de Zuid-Pacifiek, Nieuw-Zeeland en verder.

Krabbé's artistieke reis begon op de straten als graffiti-kunstenaar. Bekend als 'JAZ', was hij een belangrijk lid van het Amsterdamse collectief USA (United Street Artists). Zijn vroege ervaring met graffiti is nog steeds voelbaar en geeft zijn huidige werk een dynamische, stedelijke energie.

 

In zijn tekeningen verwerkt Krabbé vaak bestaande materialen zoals enveloppen, cadeaupapier en pagina's uit boeken of encyclopedieën. Hij hergebruikt deze items, en integreert op naadloze wijze alledaagse materialen in persoonlijke afbeeldingen, waardoor hij werken creëert die zowel nostalgisch als innovatief zijn. Een meester in mixed media met een unieke aanpak, is Jasper Krabbé een boeiende stem in de hedendaagse kunst.

Het team van 1605 sprak met Krabbé om meer te weten te komen over zijn inspirerende esthetische zoektocht.

Je familie heeft een sterke artistieke traditie. Hoe heeft het opgroeien in zo'n omgeving je artistieke ontwikkeling en stijl beïnvloed?

Mijn familie telt vijf generaties schilders, dus ik wist waarschijnlijk niet beter. Ik groeide op met de geur van drogende olieverf, want mijn vader had zijn atelier thuis. Toen hij voor het eerst wat geld verdiende, kocht hij geen nieuwe auto maar een Bonnard. Zo belangrijk was kunst bij ons thuis. Van de bezoeken aan het atelier van mijn grootvader herinner ik me de overal verspreide doeken en zijn donkere silhouet voor een heel groot raam, aan de noordkant, natuurlijk. Tegen het einde van zijn leven wijdde mijn grootvader zich volledig aan het schilderen van droomachtige tuinen. Mijn dochter, Lotus, is de eerste vrouw in onze familie die een penseel oppakt, en ze maakt echt krachtige werken.

Abstractie en figuurlijke elementen gaan in je werk vaak in elkaar over en reageren op elkaar. Kun je ons daar meer over vertellen, over je proces en aanpak?

Ja, deze een aspect van mijn werk is behoorlijk ingewikkeld en, denk ik, heel persoonlijk. Wanneer ik een schilderij begin, begin ik meestal met een basis van een concrete ervaring of voorlopige schetsen. Deze eerste elementen komen vaak voort uit observaties uit het echte leven, foto's of herinneringen die in mijn gedachten zijn blijven hangen. Ze vormen een structurele basis, een soort anker, waaruit het overige werk kan voortkomen.

Echter, naarmate ik dieper in het schilderproces duik, neig ik ernaar om in een meer intuïtieve modus te verschuiven. Dit is waar abstractie een belangrijke rol begint te spelen. Abstractie, voor mij, vertegenwoordigt de minder tastbare aspecten van de werkelijkheid, de emoties, de vluchtige gedachten en het onderbewustzijn. Het gaat erom de essentie van een ervaring of gevoel vast te leggen, zonder gebonden te zijn aan een letterlijke weergave.

De interactie tussen abstractie en figuratie in mijn werk is cruciaal. De figuurlijke elementen dienen vaak als een narratieve draad, die een gevoel van continuïteit en een referentiepunt voor de kijker biedt. Dit verhaal is meestal niet lineair, wat de manier weerspiegelt waarop onze gedachten verhalen en herinneringen verwerken: gefragmenteerd, gelaagd en soms onsamenhangend. Het is alsof je een droom in elkaar moet zetten, waarbij elk element betekenis heeft, maar niet noodzakelijk een conventioneel verhaal volgt.

Abstractie, daarentegen, stelt me in staat om de ruimtes tussen deze figuratieve ankers te verkennen. Het opent het doek voor interpretatie en nodigt de kijker uit om op een persoonlijker niveau met het werk in gesprek te gaan. Door abstractie kan ik stemmingen, sferen en emoties oproepen die niet gemakkelijk uit te drukken zijn met figuratieve beelden alleen. Het gaat over het creëren van een dialoog tussen het zichtbare en het onzichtbare, het bekende en het onbekende.

Kunst is vaak een drager voor complexe concepten, herinneringen en identiteit, en dat is voor jou erg belangrijk. Hoe gebruik je kunst als middel om je ideeën over te brengen of te ontrafelen?

Ik denk dat kunst, en specifiek schilderkunst, het laatste bolwerk is voor echte vrijheid. En het is heel direct, een fysieke ervaring. Daardoor kun je onderzoeken wat het betekent om in dit moment in leven te zijn. Ik probeer een gevoel over te brengen van hoe herinneringen werken en zoek naar dat gevoel van verlies door kleur en de materialen die ik kies. Ze hebben meestal wel een bepaalde leeftijd en, daarmee, een zekere droefheid over het verstrijken van de tijd. Het zit er bijna in verankerd. Ik heb deze prachtige theaterdecoraties gevonden van een opera die ineen stort, en die informeren nu mijn schilderijen, net als bij die enorme vlakken van droge, matte kleur.

Kleur is cruciaal voor jou. Zou je kunnen vertellen hoe je kleurkeuzes aanpakt en hoe ze bijdragen aan het geheel?

Ik hou van kleur, vooral kleuren die zijn vervaagd, waarbij de zon een deel van de pigmenten heeft onttrokken. Daarom heb ik in eerste instantie met aquarel op karton geschilderd, omdat de verf de neiging heeft om in het materiaal te trekken, waardoor het eruitziet als een oude filmposter. Ik maak uitgebreide studies van foto's die ik maak van vervallen advertenties of verbleekte luifels. Ik ben momenteel een lijn olieverf aan het produceren met Old Holland, een van de oudste verfproducenten in Nederland; dit zijn vergeten kleuren, je zou kunnen zeggen, met namen als Angel Blush, New York Awning of Sunstroke Poster. Aangezien ik mijn werk meestal alleen op de achterkant van het doek signeer, zeggen mensen vaak dat ze mijn werk herkennen aan het specifieke gebruik van kleur.

Wat zijn enkele van de uitdagingen die je bent tegengekomen als kunstenaar, en hoe heb je die overwonnen?

Hoe meer stappen je neemt, hoe meer nieuwe uitdagingen zich voordoen. Een van de meest hardnekkige uitdagingen is het behouden van een gevoel van balans in mijn werk. Dat betekent het afstemmen van de uitstraling, de inhoud, de materiële aanwezigheid van het object, de sfeer, de intentie en de uitvoering. Elk van deze elementen moet in harmonie zijn, zodat het kunstwerk zowel innerlijk als uiterlijk resoneert. Het bereiken van deze afstemming is een complex proces dat constante aanpassing en introspectie vereist. En een loslaten…

Een andere belangrijke uitdaging voor veel kunstenaars, waaronder ikzelf, kan de worsteling zijn om trouw te blijven aan mijn artistieke visie, terwijl ik tegelijkertijd probeer me aan te passen aan externe factoren. Dit omvat verwachtingen van galeries, verzamelaars en de bredere kunstmarkt. Het kan gemakkelijk zijn om meegesleurd te worden door trends of het verlangen naar commercieel succes, maar ik heb ervaren dat het voor mijn groei en voldoening als kunstenaar cruciaal is om trouw te blijven aan mezelf.

Historisch gezien is kunst altijd een sterke weerspiegeling van de maatschappij als geheel. Blijft dat vandaag de dag nog steeds zo?

Kunst kan verandering teweegbrengen. Ze kan ons bevrijden uit dagelijkse routines, ons opbeuren en hoop bieden in moeilijke tijden. Bovenal geeft kunst die ons werkelijk raakt een diep gevoel van verbondenheid en een reden om te bestaan. Dat klinkt misschien hoogdravend, maar ik geloof oprecht dat een van de belangrijkste taken van een kunstenaar is om het grote mysterie waarin we geboren worden aan te raken, en het soms te onthullen.

Op zijn best verbindt het om ons te verbinden met iets groters dan onszelf. Het kan emoties oproepen, gedachten prikkelen en empathie bevorderen. Door mijn werk wil ik een ruimte creëren waarin kijkers dit gevoel van verwondering en introspectie kunnen ervaren. Ik hoop de schoonheid en complexiteit van de menselijke ervaring vast te leggen, en laten zien dat het opmerkelijke vaak in het gewone schuilt.

In Wat is kunst?, Tolstoy stelde dat het doel van kunst was om gevoelens van de maker door te geven aan de toeschouwer. Welke boodschap of emoties hoop je met je werk op te roepen?

De boodschap die ik probeer over te brengen is veelzijdig. Aan de ene kant wil ik kijkers inspireren om de wereld met nieuwe ogen te zien, schoonheid te vinden in het alledaagse en de subtiele nuances van het dagelijks leven te waarderen. Aan de andere kant probeert mijn werk diepere thema's te verkennen, zoals identiteit, herinnering en de loop van de tijd. Door abstractie met figuratie te combineren, creëer ik een dialoog tussen de tastbare en onstoffelijke aspecten van het bestaan.

Ik wil dat mijn kunst op een persoonlijk niveau resoneert met elke bezoeker. Ik hoop een scala aan gevoelens op te roepen, van vreugde en nostalgie tot contemplatie en introspectie. Door met mijn werk in contact te komen, wil ik dat mensen een verbinding voelen met hun eigen ervaringen en emoties, en met de bredere menselijke ervaring.

Je artistieke reis begon als een graffiti artiest, werkend onder de naam JAZ. Hoe heeft deze vroege ervaring met graffiti je artistieke stijl gevormd en je huidige aanpak beïnvloed? Zijn er elementen of technieken uit je graffiti-tijd die je nog steeds in je werk verwerkt?

Helemaal. Graffiti sijpelt nog steeds door in wat ik doe, in de schaal, de kleur, het materiaal en, denk ik, de houding. Mijn aanpak heeft ergens een klassiek element, maar de basis toon en een groot deel van de onderwerpen komen nog steeds uit de beginperiode van graffiti. Zo heb ik onlangs een ode voltooid aan Dr. Rat, een van de eerste graffiti-pioniers in Amsterdam. Hij, en later ‘Shoe’, waren onder meer de redenen waarom ik kunstenaar wilde worden. De vrijheid ervan… Graffiti was iets wat we samen deden om plezier te hebben; het was spannend en gevaarlijk. Ik ben vaak ontsnapt aan politieachtervolgingen en heb mijn eerlijke deel van keren gehad waarop ik betrapt werd. Net als een kat, denk ik dat ik in die tijd minstens acht van mijn negen levens opgebruikt heb. De beste, gekste tijd.

Er is een voortdurend debat over het belang van formele kunstopleiding voor kunstenaars. Rekening houdend met je eigen ervaring, hoe zie je de rol ervan in het vormgeven van de ontwikkeling van een kunstenaar?

Weet je? Ik geloof niet dat je per se een opleiding nodig hebt. Als je het aantal fantastische ‘zelfgeleerde’ kunstenaars zoals Bill Traylor of Martin Ramirez ziet, zou je niet zeggen dat je überhaupt een formele kunstopleiding nodig hebt. Voor mij was het een worsteling aan de Gerrit Rietveld Academie. Ik moest me dubbel en dwars bewijzen, omdat ik uit dat bekende familie kwam.

Vertel ons over je tijd bij The Cooper Union. Zijn er specifieke lessen of ervaringen uit je tijd in New York die een blijvende impact hebben gehad op je artistieke werk?

Ik had me tegen het systeem ontwikkeld, meer dan dat het me had gevormd. Totdat ik naar The Cooper Union kwam. Een absoluut kunstparadijs, het leerde me één essentiële les: je kunt kunst niet leren. De overleden, geweldige schilder Jack Whitten (mogge hij rusten in vrede) liet de weg zien door simpelweg een ongelooflijk kunstenaar te zijn. Aan het begin van het semester daagde hij ons uit: “Oké, dus jullie willen kunstenaar worden? Dan moeten jullie dat ook zijn. Aan het einde hiervan wil ik 10 werken zien. Geef ze een titel, installeer ze, regel de verlichting, de uitnodigingen, de prijzen, alles.” Zo inspirerend.

In een interview zei Marilyn Manson ooit: “Ik heb ooit in een programma voor verslavingshulp gezeten, maar ze hebben me eruit gezet. Dat vervielde me tot op zekere hoogte. Ik vroeg de therapeut of hij een enkele artiest kon noemen die spannendere kunst maakte na revalidatie. Hij stuurde me toen naar een psychiater, die me vertelde dat hij geen kunstenaars behandelde, dat was hopeloos: zij hadden de ups en downs nodig voor hun kunst, ik moest er gewoon voor zorgen dat ik meer ups had. Het is een constante strijd. Veel geweldige muzikanten, acteurs, schilders of schrijvers hebben hun hele leven geleden, en er is prachtige kunst voortgekomen uit hun pijn.” Als kunstenaar, wat zijn jouw gedachten over dit idee? Denk je dat persoonlijke worstelingen en uitdagingen essentieel zijn voor het creëren van diepgaande en impactvolle kunst, of vind je dat creativiteit even goed kan bloeien in momenten van vreugde en tevredenheid?

Er zijn mensen die creëren vanuit vreugde, zoals bijvoorbeeld Matisse (hoewel hij ook grote tegenslagen en worstelingen kende). En er zijn mensen die misschien creëren vanuit pijn. Ik denk dat het veilig is om te zeggen dat alle grote kunstenaars hun aandeel van echt lijden hebben gekend. Als je moeilijke tijden en pijn doormaakt, kun je de waarde van de vreugdevolle elementen in het leven beter zien. Ik heb enkele van mijn meest persoonlijke werk gemaakt na een grote breuk. Het voelde alsof ik een openhartoperatie had ondergaan en ze me daarna niet meer hadden dichtgemaakt. Ik heb al een vrij openhartig karakter, maar door dit verlies werden dingen versterkt. Ik herinner me een klein kind op straat te zien die probeerde de hand van zijn moeder te pakken, maar dat niet lukte… Dat kleine gebaar zou me doden. Ik was in een staat van opmerkelijke bewustwording.  

Ik maakte toen een reeks, getiteld Japanse schilderijen, waarin omgekeerde schilderijen het beeld van Maria Callas in haar rol als Madame Butterfly toonden. Op een dag kwam ik in het atelier en zag de achterkant… het was mooier dan de voorkant. Ik verwijderde de laken van de canvas en gebruikte het spiegelbeeld dat door de achterkant van het onbehandelde canvas was doorgedrongen en liet dat vervolgens als de voorkant zien, een schilderij dat door toeval tot stand was gekomen. Het waren schilderijen die verlies op een minder letterlijke manier behandelden, waarbij Maria Callas langzaam in het zicht verdween. Het suggereerde ook het ritueel dat de Japanners volgen wanneer de bloemen beginnen te vallen en ze onder de bomen zitten om ze te zien verwelken, waardoor het gevoel van schoonheid in vergankelijkheid wordt versterkt. Je zou kunnen zeggen dat vergankelijke schoonheid in de kern van mijn werk ligt.

Er is al lang een verband tussen druggebruik en het creatieve proces, waarbij sommige kunstenaars geloven dat middelen artistieke inspiratie bevorderen of een bepaalde gemoedstoestand mogelijk maken. Echter, er zijn ook zorgen over de mogelijke negatieve effecten op de mentale en fysieke gezondheid. Wat zijn jouw gedachten?

Drugs kunnen zeker je perceptie openen voor een breder veld van kennis, maar ik heb zelden een ervaring gehad waarbij het direct een goed werk opleverde. Ik herinner me dat ik ooit, tijdens een trip met magische paddestoelen, een idee opschreef dat ik toen briljant vond, maar dat absoluut geen zin meer had toen ik eruit kwam. Ik denk dat je die staat ook kunt bereiken door meditatie of door je volledig te verliezen in het creatieve proces. Je eigen overtuigingen uitdagen met een helder hoofd en, nog belangrijker, zonder angst, brengt voor mij een openheid om mijn eigen grenzen te verleggen. Het vereist een opmerkelijke overtuiging om over het vuur te springen. Als je dat doet, word je beloond met een gevoel van totale transcendentie.

Het proces van het maken van jouw kunstboek, gewijd aan je dochter June, samen met je partner Annemarieke van Drimmelen, was een unieke combinatie van fotografie en schilderkunst. Hybrid images combineren vastgelegde momenten met een toegevoegde, bovennatuurlijke laag. Hoe was het om dit project te maken?

Na een shoot die Annemarieke op het eiland had tijdens de pandemie, werden speciale vergunningen afgegeven, zodat we konden verblijven op het toen volledig verlaten eiland Hydra in Griekenland, dat uitsluitend werd bewoond door de lokale bevolking, hun ezels en katten. Absoluut geen toeristen. Het voelde alsof we in de jaren 50 waren beland. We bleven daar twee maanden. Tijdens onze wandelingen door de lege haven, de stranden en de omliggende dorpen, wees June, toen 3 jaar oud, op dingen die haar opvielen, zoals een boom die blauw was geschilderd of een stukje draad dat ze voor een paard hield. Haar speelse blik, het gevoel dat de tijd stilstond en de bijzondere natuur van Hydra, gaven ons de wens om die momenten te eren. Samen met haar, maar vooral door haar ogen, begonnen we vast te leggen wat ze zag. Annemarieke maakte foto's en ik schilderde. Het kwam heel natuurlijk voort, maar naarmate we verder gingen, werd duidelijk dat onze manieren van creëren heel anders waren. We hadden behoorlijk wat discussies over de autonomie van onze eigen inbreng, haha. Toen we terug naar Amsterdam kwamen en de prints er waren, herinner ik me dat ik er een op knipte om er een collage van te maken, tot grote onvreugde van Annemarieke. Maar er gebeurde zoveel magie tijdens het maakproces. We introduceerden elkaar elementen uit onze eigen praktijk, een bepaalde manier van inlijsten, overschilderen met gedichten die ik had geschreven of onnodige elementen weglaten. De samenwerking heeft me geleerd om open te staan voor andere mogelijkheden in mijn eigen werk. We hebben veel van elkaar geleerd.